Después de protagonizar el Spotlight de Defqon.1 y de lanzar HEMNK (el mejor álbum del año en el panorama de los harder styles), Sefa Vlaarkamp se ha pasado por la cueva para brindarnos una entrevista larga, completa e interesante. ¡Esto es lo que nos ha contado!
Loud Cave: Hola, Sefa, ¡bienvenido a la cueva! Nos hace muchísima ilusión compartir este rato contigo; para nosotros eres un referente a nivel musical. Cuando nuestra carrera como periodistas de hard music empezó, uno de nuestros sueños a largo plazo era poder sentarnos a charlar contigo. Gracias por aceptar la entrevista, y aún más a estas horas de la tarde, a puerta cerrada.
Estamos en Fabrik Madrid, un club en el que has pinchado muchas veces a lo largo de tu carrera. La última fue en Nexus Festival, donde pinchaste un set en solitario y un B2B con Dr. Peacock. Esta noche, 9 de noviembre de 2024, va a tener lugar el segundo This Is Sefa en Fabrik, después del rotundo éxito que tuvo el primer show en el take over de Q-dance a finales del año pasado. ¿Qué tiene de especial Fabrik para que tanto tú como tu equipo decidáis hacer aquí vuestro show especial? ¿Cómo es la energía del público español?
Sefa: Bueno, Fabrik siempre ha sido un lugar muy especial para mí. Pinché aquí por primera vez en 2017, unas semanas después de cumplir 17 años. Ahora tengo 24, así que llevo siete años pinchando aquí, lo cual es una locura. Y desde la primera vez hasta la última, el público ha sido una absoluta pasada. Siempre digo que no hay ningún público en Europa que sea tan increíble hasta tan tarde, porque siempre pincho a las seis o siete de la mañana cuando hago sets en solitario. La energía siempre es de primera aquí. La gente es genial, increíble.
El último This Is Sefa aquí, el primero, fue un gran riesgo para nosotros, porque tenemos que tener en cuenta toda la logística y todo ese tipo de cosas, y es realmente difícil. Tenemos que volar con nuestros instrumentos. Pero la gente se mostró muy, muy, muy positiva, muy agradecida. Tuvimos una llamada con Fabrik, y fue como: “Vamos a hacerlo de nuevo”.
Loud Cave: Hello, Sefa, welcome to the cave! We are very excited to share this time with you; for us you are a musical reference. When our career as hard music journalists began, one of our long-term dreams was to sit down and chat with you. Thanks for accepting the interview, and even more so at this time of the evening, behind closed doors.
We are in Fabrik Madrid, a club where you have played many times throughout your career. The last one was at Nexus Festival, where you played a solo set and a B2B with Dr. Peacock. Tonight, November 9th, 2024, the second This Is Sefa will take place at Fabrik, after the resounding success of the first show at the Q-dance take over at the end of last year. What is so special about Fabrik that you and your team decided to do your special show here? What is the energy of the Spanish audience like?
Sefa: Well, Fabrik has always been a very special place for me. I played here for the first time in 2017, a few weeks after my 17th birthday. I’m 24 now, so I’ve been playing here for seven years, which is crazy. And from the first time up until last time, the crowd has been just absolutely insane. I always say that there’s no crowd in Europe so consistently amazing until such a late time slot, because I always play at six or seven AM when I play solo sets. Energy is always top notch here. People are so great, so amazing.
The last This Is Sefa here, the first one, was a big risk for us, because we have to mind all the logistics and everything like that, and it’s really difficult. We have to fly with our instruments. But people were so, so, so positive, so thankful. We had a call with Fabrik, and we were like: “Let’s do it again”.
LC: This Is Sefa es, sin duda, uno de los lives más exclusivos y mejor valorados de la escena hard. Una forma perfecta de expresarte como artista, cuidando detalles que es imposible tener en cuenta en una sesión normal de DJ, y dándole vida a tu música en directo. ¿Qué significa This Is Sefa para ti? ¿Cuántos músicos actuáis esta noche? ¿Cómo estáis preparando los shows teniendo en cuenta que has lanzado un álbum recientemente con mucha música nueva?
S: En primer lugar, gracias por los cumplidos sobre el show. This Is Sefa para mí es la manera de expresarme en el hard dance sin comprometer nada. Realmente me gusta hacer música; no sólo me gusta hacer kicks y todo ese tipo de cosas. Me gusta incorporar elementos musicales en mis canciones. Pero la cosa no debería quedarse ahí; quiero llevar a los músicos al escenario y no simplemente dejarlos en el estudio donde grabo la música con ellos. Así es como empezó, y por ahora, durante esta última gira, hemos hecho muchas cosas experimentales. Creo que es muy importante seguir experimentando, seguir intentando desarrollar el show, hacerlo más fresco, más accesible, pero también profundizar más, lo cual es un equilibrio difícil. This Is Sefa para mí es un reflejo de lo que quiero hacer en un musical o en una fiesta, sin compromisos. Si pongo una memoria USB y pincho un set, puede ser increíble, pero la mayoría de las veces, especialmente cuando pongo mi nuevo álbum, puede ser un poco comprometido. Por eso me gusta hacer estos shows.
En cuanto al nuevo álbum, lo grabé con una orquesta, así que lo más apropiado es tener músicos de verdad en el escenario para interpretarlo todo, porque realmente compuse la música del nuevo álbum pensando en la orquesta. Pinchar simplemente un archivo WAV, una memoria USB, para mí es un poco una pena, una pérdida de potencial, en mi opinión.
Para esta noche, me tenemos a mí detrás del piano, tenemos a Laurens, el guitarrista, tenemos a Nina, y luego tenemos dos músicos de cuerda de España, lo cual es muy, muy top. Y por supuesto, tenemos a nuestra talentosa gente en primera línea. Ellos van a hacer el show, los láseres, las luces y todo ese tipo de cosas. Preparamos el primer This Is Sefa, el más grande en Alemania, en Oberhausen, con diferentes show moments, luces, láseres… Tenemos la misma gente; volamos con ellos a España para hacer el show de esta noche, así que también va a ser increíble. Musicalmente, pero también en cuanto al espectáculo, intentamos evolucionar en cada show, y creo que la gente de Fabrik se va a dar cuenta de que va a ser mucho mejor que la última vez.
LC: This Is Sefa is, without a doubt, one of the most exclusive and best rated live shows in the hard scene. A perfect way to express yourself as an artist, taking care of details that are impossible to take into account in a normal DJ session, and bringing your music to life live. What does This Is Sefa mean to you? How many musicians are performing tonight? How are you preparing the shows considering that you have recently released an album with a lot of new music?
S: First of all, thank you for the compliments about the show. This is Sefa to me is the way to express myself in hard dance while not compromising anything. I really like to make music; I don’t just like to make kicks and everything like that. I like to incorporate musical elements into my songs. But it shouldn’t stop there; I want to take the musicians on stage and not just leave them in the studio where I record the music with them. That’s how that started, and for now, during this last tour, we’ve done a lot of stuff that was experimental. I think it’s really important to keep the experimenting going, to keep trying to develop the show, making it fresher, making it more accessible, but also going in depth more, which is a difficult balance. This Is Sefa for me is a reflection of what I want to do in a musical or in a gig party setting, without compromising. If I put a USB stick in there and I just play a set, it can be amazing, but most of the time, especially when I play my new album, it can be a bit of a compromise. That’s why I like to do these shows.
With regards to the new album, I recorded it with an orchestra, so it’s only fitting to have real musicians on stage to perform everything, because I really composed the music for the new album with the orchestra in mind. Playing just a WAV file, a USB stick, is for me a bit of a shame, a bit of a miss potential, in my opinion.
For tonight, we have me behind the piano, we have Laurens, the guitar player, we have Nina, and then we have two local string players from Spain, which is really, really cool. And of course, we have our talented people in the front of house. They’re going to do the show, the lasers, the lights and everything like that. We prepared the first This Is Sefa, the big one in Germany, in Oberhausen, with different show moments, lights, lasers… We also have the same people; we flew them into Spain to do the show for tonight, so that’s going to be amazing as well. Musically, but also show wise, we really try to evolve with each show, and I think the people in Fabrik are going to notice that it’s going to be a lot better than last time.
LC: No sólo eres un productor de frenchcore; eres un músico. Tocas el piano, el órgano (como hemos podido escuchar en ‘Klaagzang’ y ‘The Omega’), y te nutres de muchas influencias musicales. ¿Cómo y cuándo surgió tu pasión por la música, y más concretamente por el frenchcore? ¿Qué formación has recibido (y sigues recibiendo) para implementar tus conocimientos musicales? ¿Quiénes eran tus referentes cuando empezaste?
S: No vengo de una familia de músicos, lo cual es muy gracioso. Mi padre es turco, y toca un poco la guitarra turca. Siempre le veía tocando y me gustaba, pero nunca tuvimos ninguna formación musical formal en nuestra familia. Así que lo que realmente me condujo al camino de la música Clásica, de tocar el piano y de incorporar orquestas y ese tipo de cosas es que simplemente empecé a hacer música en mi portátil, y me gustó mucho la forma en que se podía jugar con las notas. A muchos DJs o artistas les gusta trabajar con el diseño de sonido, en particular a muchos DJs de hardstyle. Se centran mucho en el sound design, en hacer sonidos chulos, screeches, efectos y todo eso. Pero a mí me fascinaban los acordes y las melodías, así que esa era la forma en la que intentaba expresarme musicalmente. Por el camino, empiezas a luchar, quieres saber cómo puedes hacer buenas progresiones de acordes y cómo puedes implementar la armonía, las reglas de la armonía, en tu música. Fue entonces cuando empecé a tocar un poco el piano. Aprendí un poco de piano por mi cuenta de los 16 a los 18 años, y cuando tenía 18, decidí tener un profesor, así que fue bastante tarde en mi proceso de formación musical o de desarrollo musical. Mi profesor es Hardstyle Pianist. Él tuvo varios vídeos virales muy buenos durante un tiempo; de hecho se hizo algo famoso en Holanda por su cover de happy hardcore. Todos los miércoles conduzco hasta su casa para dar una clase de una hora y media (tres horas en total de conducción cada semana para recibir sus clases) porque creo que realmente entiende la forma en que tengo que buscar el equilibrio. Trato de equilibrar la música y la producción, porque él conoce el mundo del hardstyle, así que no me va a aburrir con progresiones de jazz, porque sabe que me gusta la música Clásica. Me gustan los harder styles, por lo que así me entreno musicalmente. Y sigo estudiando mucha música por mi cuenta. Estudio música Clásica, música Barroca, música Renacentista, tratados de armonía, un poco de órgano y un poco de clavicémbalo para completar mis conocimientos de música Clásica. Para mi nuevo álbum tuvimos que grabar con la Orquesta Metropole, así que también tuve que aprender un poco de orquestación y de dirección vocal. Así que, poco a poco, todo va tomando forma. No diría que estoy tan formado como alguien de un conservatorio, por supuesto. No he ido a una escuela de música ni a un conservatorio, pero intento tener todos los conocimientos posibles para aplicarlos en mi proceso de producción musical. Creo que es muy importante.
Cuando empecé con el hardstyle, mi gran héroe era Headhunterz, por supuesto. Creo que todo el mundo, todos los productores, le tenían como un héroe cuando empezaron. Después, empecé a preferir el sonido de Noisecontrollers, especialmente la fusión de sonido que hizo en 2010-2011. Y tras esto, mi gran ejemplo era, por supuesto, Dr. Peacock, pero no necesariamente en producción y diseño de sonido. Todavía encontraba el ejemplo del sound design en el hardstyle, pero para el frenchcore, Dr. Peacock fue mi ejemplo, porque fue el primero en implementar las melodías con los kicks y en hacerlo en el “estilo Peacock”, el cual desarrollé en mi propio estilo. Pero también era un buen empresario. Sabía lo que quería; sabía lo que le gustaba al público. Y tenía lo que llamamos un “hit sensor”. Cuando está haciendo un track, es como: “Esto se va a convertir en un hit”, y todavía tiene esto. Recuerdo que me enseñó ‘Trip to Valhalla’ antes de que saliese. Yo estaba como: “Oh, es un buen tema, pero nada especial”. Él me dijo: “Te estoy diciendo que esto va a ser un éxito monstruoso”. Y yo dije: “Sí, seguro, tío”. Y entonces, tuvo como un millón de visitas en una semana. Absolutamente loco. Sigue siendo el rey indiscutible del “hit sensor”. Así que sí, creo que ellos son mis grandes ejemplos en los harder styles. Pero en general, por supuesto, mi mayor ejemplo es Johann Sebastian Bach. No voy a poner a Bach y a Headhunterz en el mismo nivel jajajajaja. No puedo compararlos. Le respeto, pero no, no.
LC: You’re not just a frenchcore producer; you’re a musician. You play piano, organ (as we could hear in ‘Klaagzang’ and ‘The Omega’), and you draw from many musical influences. How and when did your passion for music, and more specifically for frenchcore, come about? What training have you received (and are you still receiving) to implement your musical knowledge? Who were your references when you started?
S: I don’t come from a musical family, which is really funny. My dad is Turkish, and plays a bit of Turkish guitar. I always saw him playing and really liked it, but we never had any formal musical training in our family. So the thing that actually brought me to the path of Classical music, playing piano and incorporating orchestras and stuff is that I just started making music on my laptop, and really liked the way that you could play with notes. A lot of DJs or artists like to work with sound design, a lot of hardstyle DJs in particular. They really focus on their sound design, making cool sounds, screeches, effects and everything like that. But for me, I was just fascinated by chords and melodies, so that was the way I tried to express myself musically. Along the way, you start to struggle, you want to know how you can make good chord progressions and how you can implement the harmony, the rules of harmony, into your music. So that’s when I started to also play a bit of piano. I learnt myself a bit of piano from 16 to 18, and when I was 18 years old, I decided to get a teacher, so that was pretty late in my process of musical forming or of musical development. My teacher is the Hardstyle Pianist. He had some really nice viral videos for a while; he was actually a bit famous in the Netherlands for his happy hardcore cover. Every Wednesday I drive to his house to have a lesson, which is one and a half hours (three hours in total of driving every week to have lessons from him) because I think he really understands the way I have to balance. I try to balance music and production, because he knows the hardstyle world, so he’s not going to bore me with like jazz progressions, because he knows I like Classical music. I like the harder styles, so that’s how I train myself musically. And I still do a lot of study myself. I study Classical music, Baroque music, Renaissance music, harmony treatises, a bit of organ and a bit of harpsichord to really round off the knowledge of Classical music. For my new album we had to record with the Metropole Orchestra, so I also had to teach myself a bit of orchestration and voice leading. So slowly, it’s all coming together. I wouldn’t say I’m as trained as somebody from a conservatory, of course. I didn’t go to a music school or conservatory, but I try to have as much knowledge as possible to implement it to my music production process. I think that’s really important.
When I started with hardstyle, my big hero was Headhunterz, of course. I think everybody, every producer, had him as a hero when they just started. Afterwards, I started to prefer the Noisecontrollers sound, especially the fusion in 2010-2011 sound that he did. And afterwards, my big example was, of course, Dr. Peacock, but not necessarily in production and sound design. I still found my example in sound design wise in hardstyle, but for frenchcore, Dr. Peacock was my example, because he was the first one to implement the melodies with the kicks and do that in “the Peacock style” way, which I kind of developed into my own style. But also he was a really good entrepreneur. He knew what he wanted; he knew what the crowd liked. And he had what we call “a hit sensor”. When he’s making a track, he’s like: “It is going to become a hit”, and he still has that. I remember he showed me ‘Trip to Valhalla’ back before it was released. I was like: “Oh, it’s a nice track, but nothing special”. He was like: “I’m telling you this will be a monster hit”. And I said: “Yeah, sure, man”. And then, he had like a million views in a week. Absolutely crazy. He’s still the undisputed king of the hit sensor. But yeah, I think those are my big examples in the harder styles. But in general, of course, my biggest example is Johann Sebastian Bach. I’m not going to put Bach and Headhunterz in the same level jajajajaja. Can’t compare. Respect to him, but no, no.
LC: Dr. Peacock ha sido tu mentor. Te uniste a Peacock Records cuando tenías tan sólo 14 años, y desde entonces habéis sacado mucha música juntos: EPs como Bad Dreams, This Life Is Lost, Frenchcore Worldwide 02, 05 y 08; singles como ‘Das Boot’, ‘Keelhauled’ y‘Trip to Serbia’… De hecho, el 21 de diciembre pincharéis en el evento Frenchcore Worldwide (en Zaandam), un “Special Journey Through Time Set”. ¿Consideras que Steve es el padre del frenchcore? ¿Cómo es tu relación con él? ¿Podrías contarnos alguna anécdota graciosa que hayáis vivido juntos?
S: No. No creo que él se considere el padre del frenchcore. El padre del frenchcore es, en mi opinión, DJ Radium, quien realmente empezó a crear este estilo en los 90 en Francia. Y a partir de ahí, tienes a Micropoint, por supuesto, pero The Speed Freak también desarrolló los primeros sonidos del early frenchcore. Y luego tienes lo que yo llamo el período medio del frenchcore con Adrenokrome, The Braindrillerz… Son gente a la que también escucho mucho; hacían una música realmente buena. Y luego, creo que el padre del frenchcore del período más reciente, o del nuevo frenchcore, del frenchcore melódico, es Dr. Peacock. Y luego estoy yo con mi propio estilo, que es como una especie de subgénero del frenchcore, pero está más entre el frenchcore y el hardstyle. Creo que Peacock me allanó el camino para llegar ahí.
¿Mi relación con él? No hay nadie con quien pueda tener mejores conversaciones en relación a la vida que vivimos. Vivimos la misma vida, prácticamente. Nuestros fines de semana los pasamos trabajando y nuestros días entre semana los pasamos trabajando también. Así que tenemos que cuidarnos, y a veces podemos llamarnos y simplemente (ruidos de llanto). Esto es algo que sólo puedo hacer con él. Puedo ser honesto con él, porque él sabe que no siempre es fácil. Puedo hablar con mi abuela sobre cosas personales, pero no puedo explicarla lo que estoy pasando. Ella no entiende instintivamente la forma en que Steve me entiende, porque él vive la misma realidad cada semana. Y también es que hemos pasado por mucho juntos. Le conozco desde hace 12 años, desde que yo tenía 11, lo cual es una locura y realmente forma un vínculo. Tuvimos un período en el que no hablábamos mucho, tuvimos un período en el que entrenábamos todos los días durante la época del coronavirus…
Una anécdota divertida es que yo solía enviarle un montón de demos cuando todavía estaba tratando de desarrollar mi sonido. Fue antes de mi primer EP, en realidad, por lo que a veces todavía no era realmente lo suficientemente bueno . Así que yo le enviaba demos, y él solía ser muy estricto, lo cual es bueno, porque eso te hace querer mejorar y desarrollarte. Pero creo que en este caso, fue demasiado estricto. Le envié un tema, ‘Singing a Song’, uno de mis primeros tracks, y fue como: “¿Es una broma? ¿Qué estás haciendo? Esto es una broma. ¿Estás tratando de ser gracioso?” Yo estaba como: “No, esta es mi nueva canción”. Realmente no le gustó, pero con el tiempo la pista se convirtió en un gran éxito. Era honesto conmigo cuando no le gustaba algo, lo cual me hizo tomarme sus críticas en serio, porque hay gente a la que he enviado demos, y son más como: “Oh, sí, es agradable, está bien”. Y luego ya no dicen nada más. Si algo realmente no te gusta, dímelo, porque entonces, si me dices que mi hi hat está panneado hacia el lado incorrecto, mal enfocado o lo que sea, no lo sé, sabré que eres sincero conmigo. Así que eso fue divertido, pero me aplastó. Estuve triste durante días después, y yo estaba en medio de mi período de exámenes en la escuela y (ruidos de llanto). Hay que pasar por eso. Y realmente aconsejaría a todo el mundo que tuviera algún tipo de mentor o profesor que sea honesto contigo, que también te diga las cosas cuando estás haciendo algo mal. En ‘Singing a Song’ no hice nada necesariamente mal, pero a él simplemente no le gustó, y entonces me lo dijo. Creo que esto es importante.
LC: Dr. Peacock has been your mentor. You joined Peacock Records when you were only 14 years old, and since then you have released a lot of music together: EPs like Bad Dreams, This Life Is Lost, Frenchcore Worldwide 02, 05 and 08; singles like ‘Das Boot’, ‘Keelhauled’ and ‘Trip to Serbia’… In fact, on December 21st you will be playing at the Frenchcore Worldwide event (in Zaandam), a “Special Journey Through Time Set”. Do you consider Steve to be the father of frenchcore? How is your relationship with him? Could you tell us a funny anecdote you have experienced together?
S: No. I don’t think he considers himself the father of frenchcore. The father of frenchcore is, in my opinion, DJ Radium, who really started out making this style in the 90s in France. And from there, you have Micropoint, of course, but also The Speed Freak developed the early frenchcore sounds. And then you have what I call the middle frenchcore period with Adrenokrome, The Braindrillerz… Those are people I listen to a lot as well; they made really cool music. And then, I think the father of late period frenchcore, or new frenchcore, the melodic frenchcore, is Dr. Peacock. And then you have me with my own style, which is kind of like a subgenre of frenchcore, but it’s more like in between frenchcore and hardstyle. I think Peacock paved the way for me to go there.
My relationship with him? There’s nobody I can have better conversations with regards to the life we live. We live the same life, practically. Our weekends are spent working and our weekdays are spent working as well. So we have to really watch ourselves, and sometimes we can just call each other and (crying noises). That’s something I can only do with him. I can be honest with him, because he knows it’s not always easy. I can talk to my grandmother about personal stuff, but I cannot explain to her what I’m going through. She doesn’t instinctively understand the way Steve understands me, because he lives the same reality every week. And also we’ve been through so much together. I’ve known him for 12 years, since I was 11, so that’s just crazy and really forms a bond. We had a period where we didn’t speak a lot, we had a period where we trained every day during the corona…
So one funny anecdote is that I used to send him a lot of demos when I was still trying to develop my sound. It was before my first EP, actually, so it still wasn’t good enough sometimes. So I sent him demos, and he used to be really strict, which is good, because that makes you want to become better and develop yourself. But I think in this instance, he was a bit too strict. I sent him a track, ‘Singing A Song’, one of my early tracks, and he was like: “Is this a joke? What are you doing? It’s just a joke. Are you trying to make fun of that? ” I was like: “No, this is my new track”. He really didn’t like it, but eventually the track became very successful. He was honest to me when he didn’t like something, which also made me take his criticism seriously, because there are people who I’ve sent demos to, and they’re more like: “Oh, yeah, it’s nice, it’s good”. And then they just don’t say anything anymore. If you really dislike something, just tell me, because then, if you tell me that my hi hat is panned to the wrong side or something, I don’t know, I can know that you’re honest with me. So that was funny, but he crushed me. I was sad for days afterwards, and I was in the middle of my exam period in school and (crying noises). You have to go through that. And I would really advise everybody to have some kind of mentor or a teacher who’s honest with you, who also tells you when you’re doing something wrong. For ‘Singing a Song’, I wasn’t necessarily doing something wrong, but he just didn’t like it, and then he told me. I think that’s important.
LC: Eres un DJ internacional, haces giras por todo el mundo, y conoces decenas de clubs y festivales distintos. Sin embargo; Defqon.1 ocupa un lugar especial en tu corazón. Tu primera sesión en el Yellow Stage en 2017, el himno y tu primer Red Stage en 2019, tu documental enfocado al This Is Sefa de 2022 (para el cual compusiste tu propia banda sonora), el Theatre de 2023, el Spotlight del Red en 2024 (con esa inolvidable performance que se hizo tan viral)… ¿Qué significa Defqon.1 para ti?
S: Cuando se trata de un festival, no hay nada que se pueda comparar con Defqon.1. Siempre lo comparo con lo que los Musulmanes tienen con La Meca. Todos los Musulmanes tienen que ir a La Meca una vez en su vida, si tienen el dinero, los medios y la salud. Creo que es lo mismo para todos los oyentes de hard dance. No importa si están en Australia, Perú o África; tienen que ir a Defqon.1, porque es allí donde se vive el hard dance de la mejor manera posible. He estado en todos los Defqon.1 desde 2017. Por supuesto, hay gente que ha estado en todos los Defqon.1. El primer Defqon.1 de Peacock fue en 2004, creo, o en 2003, que es la primera edición de la historia. Defqon.1 es simplemente una locura. Todo el mundo está flotando en una nube de felicidad; eso es lo que he experimentado allí. Y también, todo el mundo trae su mejor material. Si estás confirmado en Defqon.1, tienes que traer tu mejor material. No puedes pinchar un muy buen set en tu ciudad y luego uno mediocre en Defqon.1, y por eso siempre me sorprendo. Simplemente voy a sets al azar y camino alrededor con mis gafas de sol puestas. Para mí es difícil caminar por el recinto del festival en esos días, pero cuando tengo gafas de sol y una gorra, no hay problema. Visito un par de sets diferentes; voy a industrial, voy al early… Este año, fui a DitzKickz, que fue durante la Closing Ceremony, creo, o justo antes, antes de que todos los escenarios cerraran. Él cerraba el Purple, y pincha zaag kicks terribles. Es un fenómeno, y sólo tiene 17 años. Fui allí y me volví loco. Fue como (movimientos extremos de kickrolling). Nadie me reconoció allí, porque a nadie que le guste DitzKickz también le gusto yo. Eso es lo que también me gusta mucho de Defqon.1; puedo dar una vuelta y conozco el recinto del festival. Siempre es un fin de semana muy feliz para mí. Voy allí el miércoles por la tarde, y me voy el domingo por la noche después de la Closing Ceremony. No me espero hasta el lunes por la depresión. Todo el mundo está como (ruidos de zombie), así que siempre me voy el domingo. Todos los años tengo esa noche realmente nostálgica conduciendo a casa, como: “Se ha acabado. Ha estado genial”. A veces, cuando vives una gran experiencia, no quieres que se termine. Pero con Defqon.1, es como, no sé. Después de haber tenido sexo, estás como: “Ah, ha estado muy bien”, y ya no quieres hacerlo otra vez. Así es mi experiencia en Defqon.1.
LC: You are an international DJ, you tour all over the world, and you know dozens of different clubs and festivals. However; Defqon.1 holds a special place in your heart. Your first session on the Yellow Stage in 2017, the anthem and your first Red Stage in 2019, your documentary focused on 2022’s This Is Sefa (for which you composed your own soundtrack), 2023’s Theatre, Red’s Spotlight in 2024 (with that unforgettable performance that went so viral)… What does Defqon.1 mean to you?
S: When it comes to a festival, there’s nothing you can compare with Defqon.1. I always compare it to what the Muslims have with Mecca. Every Muslim has to go to Mecca once in their lifetime, if they have the money, the means and the health. I think it’s the same for every hard dance listener. It doesn’t matter if they’re in Australia, Peru or Africa; they have to go to Defqon.1, because that’s where you experience hard dance in the best way possible. I’ve been to every Defqon.1 since 2017. Of course, there’s people who’ve been to every Defqon.1. Peacock’s first Defqon.1 was in 2004, I think, or in 2003, which is the very first edition ever. Defqon.1 is just insane. Everybody is floating on a cloud of happiness; that’s what I’ve experienced there. And also, everybody brings their A game. If you’re booked at Defqon.1, you have to bring your A game. You can’t play a great set in your hometown and then a mediocre set at Defqon.1, so that’s why I’m always surprised. I just go to random sets and walk around with my sunglasses on. It’s difficult to walk around the festival grounds for me these days, but when I have sunglasses on and a cap, it’s all right. I visit a couple different sets; I go to industrial, I go to early… This year, I went to DitzKickz, which was during the Closing Ceremony, I think, or just before it, before all the stages closed. He had the final set on the Purple, and plays terrible zaag kicks. He’s amazing, and he’s only 17. I went there and lost my shit. That was like (extreme kickrolling movements). Nobody recognized me there, because nobody who likes DitzKickz also likes me. That’s what I also really like about Defqon.1; I can just hop around and I know the festival grounds. It’s always such a happy weekend for me. I go there on Wednesday evening, and I leave Sunday night after the Closing Ceremony. I don’t wait until Monday because of the depression. Everybody is like (zombie noises), so I always leave on Sunday. Every year I have this nostalgic night driving home, like: “It’s finished. It was great”. Sometimes, when you have a great experience, you don’t want it to end. But for Defqon.1, it’s like, I don’t know. After you’ve had sex, you’re like: “Ah, that was good”, and you don’t want to do it again. So that’s my Defqon.1 experience.
LC: Desde hace un tiempo, tenemos la sensación de que el frenchcore está “desapareciendo”. Es innegable que el uptempo es el subgénero del hardcore que recibe la mayor parte de la atención del público. Muchos festivales han cerrado su stage principal de frenchcore para incluir un stage secundario de uptempo, y mucha gente (sobre todo los jóvenes que se han incorporado a la escena hard hace poco tiempo) no saben citar un productor de french que no sea Dr. Peacock, Billx o tú. ¿Por qué crees que esto está ocurriendo? ¿Cuál es la solución?
S: Creo que tiene que ver con la sociedad en su conjunto. El cambio que está experimentando la sociedad con los contenidos breves y la gratificación instantánea. Cuando empecé en 2016-2017, cuando empecé a pinchar, la gente venía a los eventos por un escenario. Básicamente, la gente iba al stage de frenchcore, y se quedaba allí, bailando y esas cosas. Cuando me pegué en 2018, la gente empezó a venir por un artista, así que venían al stage por un artista, y luego se iban. Esto me ha pasado muchas veces cuando estaba pinchando. Cuando era pronto, el escenario estaba lleno, y luego alguien pinchaba después de mí y la gente se iba. Fue un nuevo tipo de fenómeno a gran escala. Ahora siento que la gente viene a un evento por un track o un kick, o para decir: “Ohhhhh” y grabarse, para luego irse a casa de nuevo o algo así, no lo sé. Los tiempos han cambiado, y el frenchcore siempre ha sido un poco más como… ¿Cómo puedo decir esto sin insultar a los demás? Ha tenido un poco más de profundidad. No se trata sólo del kick; se trata de toda la estructura, y ofrece más libertad creativa. Pero no estaba tan desarrollado como el hardstyle. No había tantos artistas ni tanta innovación como en el hardstyle. En el hardstyle tienes una escena muy saludable, con un montón de artistas, y el frenchcore era un subgénero muy pequeño. Luego, Peacock se hizo grande. Luego, yo me hice grande. Pero el resto no tuvo una mentalidad de adaptación, porque el nuevo sonido se abrió paso (el sonido de Peacock y el mío). Y entonces tenías un montón de otros artistas de frenchcore que se quedaron como: “¿Qué? ¿Qué hacemos ahora?” Así que aquellos que no se adaptaron, murieron, por lo que los stages de frenchcore están desapareciendo. Eso significa que ya no hay representación exceptuando a Peacock o a mí en el escenario principal o en el escenario de hardcore. Una gran parte de la escena frenchcore desapareció, lo cual es muy triste, pero creo que la música debería resistir el paso del tiempo.
Para ser sincero, creo que la única forma de mantener vivo el frenchcore es, para Peacock y para mí, no menospreciar el frenchcore como escena, sino mantenerlo vivo haciendo buena música nosotros mismos. Y creo que el resto de artistas deberían seguirnos. Hay un montón de nuevos grandes talentos como D’Ort o Doris. Creo que el uptempo es sólo la forma en que la gente quiere experimentar la música en un evento. La nueva generación de después del COVID experimenta la música de una manera diferente. Es como la economía; sube, baja… Y sucederá lo mismo con el frenchcore y el uptempo. Es simplemente la forma en que la gente quiere aceptar la música, quiere escuchar la música y experimentar la música. Yo todavía lo sigo haciendo bastante bien por mí mismo, así que espero que el resto de la escena frenchcore también recupere su lugar.
LC: For some time now, we have had the feeling that frenchcore is “disappearing”. It is undeniable that uptempo is the subgenre of hardcore that gets most of the public’s attention. Many festivals have closed their main frenchcore stage to include a secondary uptempo stage, and many people (especially young people who have recently joined the hard scene) can’t name a frenchcore producer other than Dr. Peacock, Billx or you. Why do you think this is happening? What is the solution?
S: I think it has to do with society as a whole. The shift society is going through with short form content and instant gratification. When I started out in 2016-2017 , when I started playing, people came to an event for a stage. Basically, people went to the frenchcore stage, and they stayed there, dancing and stuff. When I had my breakthrough in 2018, people started coming for an artist, so they came to a stage for an artist, and then they left. I’ve had that a lot of times while I was playing. Very early on, the stage was full, and then somebody played after me and people left. It was a new kind of phenomenon on a large scale. Now I feel like people come to an event for a track or a kick, or to say: “Ohhhhh” and film themselves, and then go home again or something, I don’t know. Times have changed, and frenchcore has always been a bit more of… How can I say this without insulting everybody else? It’s had a bit more depth. It’s not just about the kick; it’s about the whole structure, and there’s more creative freedom. But it wasn’t as developed as hardstyle. There weren’t as many artists and there wasn’t as much innovation as in hardstyle. In hardstyle you have a very healthy scene, with a lot of artists, and frenchcore was a really small subgenre. Then, Peacock became big. Then, I became big. But the rest hadn’t an adapter mentality, because the new sound broke through (Peacock and mine sound). And then you had a lot of other frenchcore artists who were like: “What? What do we do now?” So those who didn’t adapt, died off, so the frenchcore stages are disappearing. That means that there’s no representation anymore except Peacock and me on the mainstage or hardcore stage. A big part of the frenchcore scene died off, which is really sad, but I think the music should stand the test of time.
To be honest, I think the only way we can keep frenchcore alive is, for Peacock and me, not to disregard frenchcore as a scene, but to keep it alive by making good music ourselves. And I think the rest of the artists should follow us. There’s a lot of new great talents like D’Ort or Doris. I think uptempo is just the way people want to experience music at an event. The new generation after COVID experience music in a different way. Along the line, it’s like the economy; it goes up, it goes down… And the same will happen for frenchcore and uptempo. It’s just the way people want to accept music, want to listen to music and experience music. I’m still doing pretty well for myself, so I hope the rest of the frenchcore scene will eventually reclaim their spot as well.
LC: La industria musical actual está totalmente condicionada por el adoctrinamiento de la sociedad; un adoctrinamiento impuesto desde arriba. Piezas musicalmente sencillas, adicción a la dopamina, se valora antes la cantidad que la calidad… Tú eres un músico que demuestra personalidad, no haciendo caso a las tendencias actuales y tomando el tiempo necesario para detallar tracks que tengan un significado. ¿Cómo te afecta personal y musicalmente el funcionamiento del mundo hoy en día?
S: Eso es exactamente lo que he dicho en la pregunta anterior, ¿no? Porque la forma en que la sociedad se mueve tiene influencia en las artes. Tienes la era Barroca en las artes, con la arquitectura Barroca, la música Barroca, la pintura Barroca… Lo mismo pasó con el Clasicismo después, y más tarde llegó el Romanticismo con Chopin. Siempre se mueve de forma similar. El espíritu de las masas, el espíritu del tiempo. Creo que ha sucedido lo mismo con nuestra música, donde el espíritu del tiempo, la gratificación instantánea y el contenido en forma de corta duración han cambiado la forma en que nos gusta escuchar música. ¡Ya no hay lugar para las sinfonías! Yo hago todo lo que puedo para incorporar mi forma de traer música, de experimentar la música con el hard dance, haciéndolo apetecible, pero sin caer en la oscuridad con interludios de cinco minutos. Ya ninguna persona joven va a un concierto sinfónico. Ya nadie va a una sala de conciertos. Yo lo hago, pero es simplemente la forma en que el tiempo se mueve y funciona, y se puede luchar contra ello, que es algo que estoy haciendo. Creo que es un error pensar que la mejor manera de experimentar la música es con contenidos breves y kick-kick-kick-kick-kick-kick-break; kick-kick-kick-kick-kick-kick-break. Esa no es mi manera de experimentar la música, pero el público siempre gana, y lo único que puedo hacer es empujarles hacia algún tipo de dirección que se ajuste a mi manera de experimentar la música.
LC: Today’s music industry is totally conditioned by the indoctrination of society; an indoctrination imposed from above. Musically simple pieces, dopamine addiction, quantity is valued before quality… You are a musician who shows personality, ignoring current trends and taking the time to detail tracks that have meaning. How does the way the world works today affect you personally and musically?
S: That’s exactly what I’ve said in the previous question, right? Because the way society moves has influence on the arts.You have the Baroque era in arts, where you have Baroque architecture, Baroque music, Baroque paintings… The same happened for Classicism afterwards, and then you had the Romantic era with Chopin. It always moves in a similar way. The spirit of the masses, the spirit of time. I think the same has happened with our music, where the spirit of time, instant gratification and short form content have changed the way we like to listen to music. There’s no room for symphonies anymore! I try my best to incorporate my way of bringing music, my way of experiencing music with hard dance, making it palatable, but not falling into obscurity with interludes of five minutes. No young person goes to a symphony concert anymore. Nobody goes to a concert hall anymore. I do, but it’s just the way time moves and works, and you can fight against it, which is something I’m doing. I think it’s a misconception that the best way to experience music is by short form content and kick-kick-kick-kick-kick-kick-break; kick-kick-kick-kick-kick-kick-break. That’s not my way of experiencing music, but the crowd always wins, and the only thing I can do is nudge them in some kind of direction that fits my way of experiencing music.
LC: Lanzaste Leven = Lijden en 2018, Klaagzang en 2022, y en 2024 has sacado Het Ergste Moet Nog Komen, tu tercer álbum de estudio. ¡Vamos a hacerte unas cuantas preguntas en relación a él! En primer lugar, nos llama mucho la atención el simbolismo/mensaje oculto del LP. Tanto en el título: “Lo peor está por llegar”, como en el artwork (referencia al mito griego de Sísifo y al track ‘Sisyphus’), y como en las letras (escritas en hasta 4 idiomas) se refleja cierto pesimismo. ¿Qué tratas de denunciar con HEMNK?
S: “Lo peor está por llegar” es la traducción literal de mi álbum, y es la forma en que vivo mi vida. Espero lo peor, y las cosas sólo pueden mejorar. Para esta noche, si espero que la tecnología o el sonido no funcionen, todo se venga abajo y haya múltiples heridos y demás, y después no hay incidentes en el show, puedo ser un hombre feliz. Pero si espero que la gente grite con cada drop, que todo el mundo cante las melodías hasta que ya no puedan decir nada o hasta que sus cuerdas vocales estén completamente rotas, puede que me decepcione. Es mi filosofía de vida, y la llamo “pesimismo sano”. Podría profundizar mucho en todo el tema personal relacionado con el álbum, pero creo que eso es quizá para otro momento. Pero en resumidas cuentas me gusta el pesimismo filosófico, Schopenhauer y todos esos filósofos. ¡No hay esperanza! Y también hay muchas influencias Cristianas en el álbum. En el Cristianismo, pasa lo mismo, los humanos no son capaces de salvarse a sí mismos, sólo Dios lo es, pero al final, hay esperanza. Y con Schopenhauer, la voluntad lo conduce todo, y hay menos esperanza. Por eso me gusta incorporarlo. Lo llamo “pesimismo Cristiano”. Soy como un postmodernista de la música. La música es la salvación.
LC: You released Leven = Lijden in 2018, Klaagzang in 2022, and in 2024 you’ve released Het Ergste Moet Nog Komen, your third studio album. Let’s ask you a few questions regarding it! First of all, we are very struck by the hidden symbolism/message of the LP. Both in the title: “The worst is yet to come”, and in the artwork (reference to the Greek myth of Sisyphus and the track ‘Sisyphus’), as well as in the lyrics (written in up to 4 languages) is reflected a certain pessimism. What are you trying to denounce with HEMNK?
S: “The worst is yet to come” is the literal translation of my album, and is the way I live my life. I expect the worst, and it can only get better. For tonight, if I expect that the technology or the sound won’t work, everything will collapse and there will be multiple injuries and stuff, and then if there’s no incidents in the show, I can be a happy man. But if I expect people screaming with every drop, everybody singing the melodies until they can’t say anymore or until their vocal cords are completely broken, I might be disappointed. It’s my life philosophy, and I call it “healthy pessimism”. I could really go into depth with the whole personal thing for the album, but I think that’s maybe for another time. The bottom line is that I like philosophycal pessimism, Schopenhauer and all those philosophers. There’s no hope! And I also have a lot of Christian influences in the album. In Christianity, it’s the same, humans are not capable of saving themselves, only God is, but in the end, there’s hope. And with Schopenhauer, the will drives everything, and there’s less hope. That’s why I like to incorporate him. I call it “Christian pessimism”. I am like a postmodernist about the music. Music is the salvation.
LC: Una de las características más notorias del álbum es la extensa fusión de estilos e instrumentos. Escuchamos viento en ‘Requiem For Frenchcore’ (lo cual no suele ser habitual en este tipo de música), violines en ‘Aller Vers Toi’, acordeón en ‘Help Me’, piano en ‘Prelude’, guitarra eléctrica en ‘Bach Met Discobal’, ‘Turn Back Time’ con Max Alexander, ‘Blood & Honey’ y ‘Left Behind’; guitarra española en ‘Asturias’… ¿Crees que el frenchcore es el género que más versatilidad ofrece para conseguir estos resultados? ¿Alguna vez has valorado la opción de producir música no electrónica, es decir, sin bombos?
S: Me alegro de que hagas esta pregunta, porque todo lo que puedo hacer en frenchcore, no lo puedo hacer en hardstyle. El hardstyle es, en mi opinión, demasiado lento, y sólo puedes llegar lejos con la melodía, con el ritmo. Con el frenchcore, una de mis cosas favoritas es que puedes hacer de todo. Con 1234-1234, ese es el kick. Es el bloque de construcción de mi música; se puede oír en todas las canciones que hago. También puedes ir en tresillos, o en 6/8 para ‘Asturias’. Todo es posible, y es lo que me encanta de esto. Puedo hacer algo en 4/4 a 200 BPM, también puedo hacer 6/8 a 250 BPM, puedo hacer tresillos a 180 BPM (como por ejemplo en ‘1527’)… Es realmente versátil. En el hardstyle, no creo que tenga esa libertad nunca.
Hice música no electrónica, en realidad, para mi nuevo álbum, para el vinilo. Incluimos las versiones orquestales. Son pequeñas piezas orquestales que compuse y grabé con la Orquesta Metropole. Y me gusta componer para piano, pero nunca llego a terminar las partituras porque estoy demasiado ocupado con otras cosas. Me gustaría hacerlo en mi tiempo libre.
LC: One of the most notorious characteristics of the album is the extensive fusion of styles and instruments. We hear wind in ‘Requiem For Frenchcore’ (which is not usual in this kind of music), violins in ‘Aller Vers Toi’, accordion in ‘Help Me’, piano in ‘Prelude’, electric guitar in ‘Bach Met Discobal’, ‘Turn Back Time’ with Max Alexander, ‘Blood & Honey’ and ‘Left Behind’; Spanish guitar in ‘Asturias’… Do you think that frenchcore is the genre that offers the most versatility to achieve these results? Have you ever considered the option of producing non-electronic music, that is, without kicks?
S: I’m happy you asked this question, because everything I can do in frenchcore, I can’t do in hardstyle. Hardstyle is, in my opinion, too slow, and you can only get so far with the melody, with rhythm. With frenchcore, one of my favourite things to do is that you can give everything swing by. It’s 1234-1234, that’s the kick. It’s the building block of my music; you can hear it in every song I do. Also you can go in a triple meter, or 6/8 for ‘Asturias’. Everything is possible, which is what I love about it. I can make something 4/4 at 200 BPM, I can also do 6/8 at 250 BPM, I can do 180 BPM triplets (for example in 1527’)… It’s really versatile. In hardstyle, I don’t think I’ll have that freedom ever.
I did non-electronic music, actually, for my new album, for the vinyl. We put the orchestral versions on there. Those are small orchestral pieces which I composed and recorded with the Metropole Orchestra. And I like to compose for piano, but I never get around to finishing the scores because I’m too busy with other stuff. I’d like to do it in my free time.
LC: En el álbum predominan progresiones armónicas clásicas, tonalidades menores y texturas orquestales y corales. Varios tracks se desarrollan por adición, sumando timbres e instrumentos a una estructura que se plantea en un inicio, obteniendo un resultado muy cinemático. Para el álbum Klaagzang (2022) trabajaste con músicos profesionales, grabando los instrumentos en vivo. Y para HEMNK has colaborado con la Orquesta Metropole de Holanda. Cuéntanos cómo es el proceso desde que les presentas el proyecto compuesto por ti hasta que la canción sale al mercado.
S: Te contaré la cronología exacta de la producción del álbum. El álbum salió a la venta el 13 de septiembre. Decidí que iba a hacer un álbum exactamente un año antes. Empecé a hacer todos los bocetos y a hacer un esbozo sobre lo que iba a ser el álbum temáticamente, con Het Ergste Moet Nog Komen. La producción empezó en enero, así que ese mes hice la mayoría de los bocetos. En febrero, nos reunimos con la Orquesta Metropole, y les dijimos: “Tenemos prisa, así que necesitamos grabar cuanto antes”. Después tuvimos una fecha para grabar a finales de abril, lo que significa que desde los bocetos hasta la grabación, tuve dos meses y medio, lo cual era una locura para 16 temas. No vi a mi familia, a mis amigos, a nadie. Me encerré en mi habitación, y sólo me dediqué a la producción musical y a los bookings. Compuse toda la música y los arreglos para la Orquesta Metropole, grabamos, después me fui a Australia, luego tuve de mayo hasta finales de junio para Defqon.1, y a continuación, desde el lunes después de Defqon.1 hasta el 13 de agosto (que fue un mes antes del lanzamiento del álbum, cuando tuve que entregalo), simplemente no estaba en la Tierra. Estaba en mi estudio, me despertaba como a las 6:30 AM, daba un paseo, me hacía un café, y luego cuando volvía de mi paseo, mi café estaba a temperatura ambiente. Después entrenaba por la noche, y trabajaba hasta que me quedaba dormido, y luego dormía, y lo mismo otra vez, y otra vez, y otra vez, lo cual era como lo de Sísifo, cuando haces rodar una roca y vuelve a caer. Así es como se sintió, pero me encantó. Fue un proceso duro, pero lo disfruté de verdad, y fue un gran privilegio trabajar con tantos músicos talentosos de la Orquesta Metropole. Sus arreglistas también eran geniales, muy abiertos. Esperaba un poco de rechazo, no necesariamente, pero que los músicos se preguntaran como: “¿Qué? ¿Qué es esta locura de música que tenemos que ensayar y por qué?” Pero ellos estaban como: “Oh, esto es realmente genial”, y algunos músicos de cuerda incluso se acercaron a mí después de la sesión de grabación. Estaban como: “Oh, esto mola”. Así que sí, ese fue el proceso, muy intenso, pero muy, muy bueno. Todo el proceso duró unos cuatro meses, desde los bocetos hasta la grabación.
LC: The album is dominated by classical harmonic progressions, minor keys and orchestral and choral textures. Several tracks are developed by addition, adding timbres and instruments to a structure that is proposed at the beginning, obtaining a very cinematic result. For the album Klaagzang (2022) you worked with professional musicians, recording the instruments live. And for HEMNK you’ve collaborated with the Metropole Orchestra from Holland. Tell us what the process is like from the moment you present them with the project you composed until the song is released.
S: I’ll tell you the exact timeline of the album production. The album was released on September 13th. I decided I was going to do an album in exactly a year before. I started doing all the sketches and making a rough sketch of what the album was going to be about thematically, with the Het Ergste Moet Nog Komen. Production started in January, so this month I made most of the sketches. In February, we had a meeting with the Metropole Orchestra, and we said: “We are kind of in a rush, so we need to record as soon as possible”. Then we had a date for recording at the end of April, so that means that from sketch to recording, I had two and a half months, which was crazy for 16 tracks. I did not see my family, my friends, nobody. I locked myself in my room, and just did music production and bookings. I composed all the music and the arrangements for the Metropole Orchestra, we recorded, then I went to Australia, then I had May until end of June for Defqon.1, and then, from the Monday after Defqon.1 up until August 13 (which was a month before the album release, when I had to hand in it), I just was not on Earth. I was in my studio, I woke up at like 6:30 AM, had a walk, made a coffee, and then when I returned from my walk, my coffee was at drinking temperatures. Then I trained at night, and I worked until I fell asleep, and then slept, and then again, and again, and again, which was like the ‘Sisyphus’ thing, when you roll a rock, and it falls down back again. That’s what it felt like, but I loved it. It was a rough process, but I really enjoyed it, and it was a big privilege to work together with so many talented musicians from the Metropole Orchestra. Also their arrangers were really cool, really open. I was expecting a bit of backlash, not necessarily, but like the musicians asking themselves like: “What? What is this crazy music we have to rehearse and why?” But they were like: “Oh, really cool stuff”, and some string players even came up to me after the recording session. They were like : “Oh, it’s really cool”. So yeah, that was the process, really intense, but really, really cool. The whole process took about four months, from sketching to recording.
LC: ‘Justify’, ‘Symphony Of Life’ con D-Block & S-te-Fan, y ‘Battlefield’ junto a Vertile son las canciones más reproducidas del álbum. ¿Qué simboliza ‘Justify’ para ti? ¿Cómo ha sido volver a colaborar con Diederik, Stefan y Evelyn después del tremendo éxito que tuvo ‘Infinity’? ¿Qué tal la experiencia en el estudio con Mees?
S: ‘Justify’ significa mucho para mí. Nunca he consumido drogas ni alcohol, pero he visto lo que la adicción puede hacer en mi entorno, en la familia, pero también en amigos. Es un tema que simboliza la lucha contra la adicción, y que sabes que toda tu vida seguirás siendo un adicto. Siempre quieres experimentar ese subidón de nuevo cuando se trata de drogas duras, pero nunca lo conseguirás, esa es la cosa. ‘Justify’ simboliza para mí decir adiós a lo viejo y hola a lo nuevo. La adicción es una de las batallas más duras que hay, una batalla cuesta arriba realmente dura. La adicción no es una broma, así que quería hacer un tema que simbolizara esto.
Sobre ‘Symphony Of Life’: D-Block y S-te-Fan simplemente son los mejores en lo que hacen cuando se trata de calidad constante durante muchos años. Y también la sinergia que tenemos. Son muy, no diría que son comerciales, pero saben lo que funciona, y sus letras y melodías son realmente pegadizas. Y yo soy un poco más artístico, así que me gusta profundizar en las armonías y todo eso. Para este tema, aunque también con ‘Infinity’, simplemente encajó. Me encanta trabajar con ellos.
Y con Vertile fue interesante, porque los dos estábamos cantando en el tema. Yo hago la primera parte del texto, y luego el estribillo es de Vertile. Su forma de hacer música es realmente interesante. Yo soy más un hombre de bocetos, así que esbozo algo, y luego trabajo sobre ello. Es como un pintor que primero dibuja los contornos y luego empieza a pintar. Él sólo construye, y construye, y construye, y construye. Así que tiene un sintetizador, y luego añade otro sintetizador y otro sintetizador, y añade la armonía allí, y poco a poco ves la canción convirtiéndose en la canción, lo cual es realmente genial.
Y sí, esas fueron las dos colaboraciones del álbum que se publicaron antes del LP. Creo que ambas tienen su propio carácter distintivo, lo cual también me parece genial. Realmente me escuchas a mí y escuchas a los otros artistas.
LC: ‘Justify’, ‘Symphony Of Life’ with D-Block & S-te-Fan, and ‘Battlefield’ with Vertile are the most played tracks on the album. What does ‘Justify’ symbolize for you? What was it like to collaborate with Diederik, Stefan and Evelyn again after the tremendous success of ‘Infinity’? How was the studio experience with Mees?
S: ‘Justify’ means a lot to me. I’ve never done drugs or alcohol, but I’ve seen what addiction can do in my environment, in family, but also friends. It’s a track symbolizing the struggle against addiction, which you will know your whole life that you remain an addict. You always want to experience that high again when it comes to hard drugs, but you’ll never get there, that’s the thing. ‘Justify’ symbolizes for me to say goodbye to the old and to say hello to the new, which is a way of personal development. Addiction is one of the hardest battles out there, a really hard uphill battle. Addiction is no joke, so I wanted to make a track symbolizing that.
About ‘Symphony Of Life’: D-Block & S-te-Fan are just the best at what they do when it comes to consistent quality for so many years. And also the synergy we have. They’re really, I wouldn’t say they’re commercial, but they know what works, and their lyrics and melodies are really catchy. And for me, I’m a bit more of an artsy type, so I really like to go in depth with harmonies and everything like that. For this track, and also with ‘Infinity’, just clicked. I love working together with them.
And Vertile was an interesting one, because we were both singing on the track. I do the first part of the text, and then the chorus is Vertile. His way of making music is really interesting. I’m more of a sketch man, so I sketch something, and then I work on it. It’s like a painter who first draws the outlines and then starts to paint. He just builds, and builds, and builds, and builds. So he has one synth, and then he adds another synth and another synth, and he adds the harmony there, and you slowly see the track becoming the track, which is really cool.
And yeah, those were the two collabs on the album that were released before the LP. I think both really have their own distinct character, which I think is also really cool. You really hear me and you really hear the other artists.
LC: Tus obras están muy influenciadas por la música Clásica y Barroca. ¡No todo el mundo se pone traje para pinchar! Referencias a Bach, una versión de ‘Asturias’, de Isaac Albéniz… ¿Quiénes son tus compositores favoritos? ¿Consideras que el Barroco es la época en la que mejor música se ha hecho? ¿Cuál es tu obra preferida?
S: Voy a empezar con mi obra favorita del Barroco, que sigue siendo ‘Ich Ruf zu Dir, Herr Jesu Christ (BWV 639)’ , de Bach. Es una pieza realmente corta, de unos dos minutos y medio, y es simplemente incomparable en su emoción.
Creo que la época Barroca es suprema a su manera, porque realmente es el culmen de la complejidad musical. Después, con el Clasicismo, volvimos a lo básico, y con el Romanticismo hubo una especie de búsqueda de la complejidad de nuevo, pero de una manera diferente. Creo que la época Barroca en general fue el punto álgido de la cultura occidental.
Mi compositor favorito es Bach, número uno. Y hay un compositor alemán realmente oscuro llamado Nicholas Boons, que tiene como seis obras que sobreviven. Murió de tifus como a los 31 años, pero tiene seis obras. Me gusta mucho su trabajo. Es uno de mis compositores favoritos también por la historia de su vida, muriendo joven, y es un poco misterioso.
LC: Your works are heavily influenced by Classical and Baroque music. Not everyone wears a suit to DJ! References to Bach, a version of ‘Asturias’, by Isaac Albéniz… Who are your favourite composers? Do you consider that Baroque is the era in which the best music has been made? What is your favourite Baroque work?
S: I’m gonna start with my favourite Baroque work, which still is ‘Ich Ruf zu Dir, Herr Jesu Christ (BWV 639)’, by Bach. It’s a really short piece, around two and a half minutes, and it’s just unmatched in its emotion.
I think the Baroque era has it’s supreme in its own way, because it’s really the height of musical complexity. Afterwards, with Classicism, we kind of went back to basics, and with Romanticism there was kind of a search in complexity again, but in a different way. I think the Baroque era in general was the highlight of western culture.
My favourite composer is Bach, number one. And there’s a really obscure German composer called Nicholas Boons, who has like six works that survive. He died from typhus at like 31, but he has six works. I really enjoy his work as well. He’s one of my favourite composers also because of his life story, dying young, and he’s bit of a mystery.
LC: Además de HEMNK, hace poco sacaste ‘Into Space’, una collab con Devin Wild. A lo largo de tu carrera has colaborado con artistas de hardstyle/raw en numerosas ocasiones (véanse las ya mencionadas ‘Symphony Of Life’ y ‘Battlefield’, ‘Nothing Like The Oldschool’ con D-Sturb, ‘Survive The Streets’ con Rooler, ‘Apocalypse’ con Phuture Noize, ‘Ascension’ con Rebelion, ‘Robot Gangbang’ junto a Warface…) ¿Se nota mucho la diferencia al trabajar con un productor de hardstyle/raw en vez de con uno de frenchcore/hardcore? ¿Qué tal en el estudio con Dion?
S: En realidad, nunca estuve en el estudio con Dion. Hicimos la colaboración completamente a través de Internet, lo cual también es realmente genial, porque él me envió sus locos sonidos y yo los implementé en mi proyecto. Después le envié el proyecto y así una y otra vez. Él es como lo que dije al principio; lo que yo tengo con las notas y los acordes él lo tiene con el diseño de sonido, así que es como una combinación perfecta. Es realmente genial enviarle sólo bloques de MIDI, sólo bloques de notas, y las cosas que hace con ello, con sintetizadores y de todo, es totalmente, totalmente inigualable.
Y al trabajar con artistas de hardstyle parece que se sienten liberados con el tempo más alto. Reciben impulsos diferentes, y empiezan a trabajar con el ritmo y la percusión de forma diferente. Los ves abrirse y decir: “Por fin puedo hacer algo diferente”. A D-Block & S-te-Fan y a Vertile también les pasó. A D-Block & S-te-Fan especialmente, porque creo que hacen la mejor música a 200 BPM, para ser honesto.
LC: Besides HEMNK, you recently released ‘Into Space’, a collab with Devin Wild. Throughout your career you’ve collaborated with hardstyle/raw artists on numerous occasions (see the aforementioned ‘Symphony Of Life’ and ‘Battlefield’, ‘Nothing Like The Oldschool’ with D-Sturb, ‘Survive The Streets’ with Rooler, ‘Apocalypse’ with Phuture Noize, ‘Ascension’ with Rebelion, ‘Robot Gangbang’ with Warface…) Does it make much difference to work with a hardstyle/raw producer instead of a frenchcore/hardcore one? How about in the studio with Dion?
S: Actually, I was never in the studio with Dion. We did the collab completely across the Internet, which is also really cool, because he sent me his crazy sounds and I implemented them into my project. Then I sent the project to him and back and back. He’s so like what I said in the beginning; what I have with notes and chords he has with sound design, so it’s like a perfect match. It’s really cool to send him just blocks of MIDI, just blocks of notes, and the stuff he does with it, with synths and everything, is really, really unmatched.
And working together with hardstyle artists feels like they’re liberated with the higher tempo. They get different impulses, and they start to work with rhythm and percussion differently. You really see them opening up and being like: “I can finally do something different”. D-Block & S-te-Fan and Vertile also had that. D-Block & S-te-Fan especially, because I think they make the best music at 200 BPM, to be honest.
LC: Tu sobresaliente creatividad, el humor tan curioso que posteas en Instagram Stories, las connotaciones y el simbolismo tan profundo que plasmas en tus canciones (como la importancia de la salud mental en ‘Lovely Day To Die’ o el problema de las adicciones en ‘Justify’)… Aprecias el arte como algo mágico, mostrando un respeto absoluto por la música, filosofía, poesía… Es algo que no se ve en el resto de artistas. Puede parecer una pregunta extraña pero, ¿eres superdotado? ¿Te consideras un tipo raro?
S: Soy un tipo muy raro. Tienes que serlo para llegar a ser bueno en algo. Tienes que estar obsesionado. La obsesión es algo sobre lo que no tienes control. Si tienes un trabajo normal, simplemente vas a trabajar, y eso es lo que haces para obtener ingresos. La mayoría de la gente hace esto. Pero si quieres ser bueno en un arte o un oficio, no puedes obligarte a estudiar ocho horas al día o a hacer música ocho horas al día. Tienes que amarlo y disfrutarlo de verdad. Así que creo que soy un tipo raro en ese aspecto, o superdotado. Tengo el don de la obsesión, por lo que realmente puedo centrarme en algo, pero creo que eso es el 10% de lo que es necesario. Son como los cimientos, pero tienes que construir una casa sobre esos cimientos con un 90% de trabajo duro. Realmente pienso que esa es la clave. Puedes trabajar duro sin talento ni don, pero nunca llegarás a lo más alto en tu área específica. Si reconoces que tienes este don de la obsesión, trabaja, trabaja, trabaja, y entonces tendrás una muy buena oportunidad de lograrlo.
LC: Your outstanding creativity, the funny humor you post on Instagram Stories, the deep connotations and symbolism you capture in your songs (like the importance of mental health in ‘Lovely Day To Die’ or the problem of addictions in ‘Justify’)… You appreciate art as something magical, showing an absolute respect for music, philosophy, poetry…. It’s something you don’t see in other artists. It may seem a strange question but, are you gifted? Do you consider yourself a weird guy?
S: I’m a really weird guy. You have to be to become good at something. You have to be obsessed. Obsession is something you have no control over. If you have a normal job, you just go to work, and that’s what you do for income. Most of the people do that. But if you want to become good at an art or a craft, you cannot just force yourself to study for eight hours a day or to make music for eight hours a day. You have to really love and enjoy it. So I think I’m a weird guy in that aspect, or gifted. I have the gift of obsession, so I can really focus on something, but I think it’s 10% of which is necessary. It’s like the foundation, but you have to build a house on that foundation with 90% of hard work. I really think that’s the key. You can do hard work without talent or gift, but you will never reach the top in your specific area. If you recognize you have this gift of obsession, work, work, work, and then you’ll have a good chance at making it.
LC: Habitualmente, ¿te sientes sometido a mucha presión?
S: Para el álbum, sentí que estaba bajo mucha presión, pero fue porque grabé con la Orquesta Metropole, y era mi responsabilidad total. Hay muchas colaboraciones en muchos de los últimos álbumes de harder styles. Hay como un 50% de colaboraciones, lo cual es comprensible, pero en mi caso, yo quería hacer un muy buen trabajo en solitario. Siento mucha presión con la producción, pero no tanto con las actuaciones. Por ejemplo, no estoy nervioso por esta noche, lo cual es bastante raro para algunas personas, pero nunca estoy nervioso de cara a los shows. Se puede ver dónde está mi inseguridad, más en la producción y en ser un buen productor. Creo que es lo más importante, porque esas son las horas que pasas en el estudio. Una actuación es sólo una pequeña parte de quién eres. Es importante estar ahí, estar presente y ser el mejor. Siempre me vuelvo loco en el escenario, pero creo que es sólo una parte momentánea de quién eres como artista. Un track es el resultado de unas 10.000 pequeñas decisiones que tomas: aumentar el volumen ahí, que la banda haga un paneo aquí, colocar el kick allí… Creo que eso dice más de un artista que los sets.
LC: Do you usually feel under a lot of pressure?
S: For the album, I did feel I was under a lot of pressure, but that was because I recorded with the Metropole Orchestra, and it was my full responsibility. There are a lot of collabs in a lot of recent albums in the harder styles. You have like 50% of collabs, which is understandable, but for me, I wanted to do a really good solo work. I feel a lot of pressure with production, but not so much with performances. For example, I’m not nervous for tonight, which is really weird for some people, but I’m never nervous for performances. You can see where my insecurity is, more in production and in being a good producer. I really think that’s important to give off, because those are the hours you spend in the studio. A performance is just a small measure of who you are. It’s important to be there, to be present and to be the best. I always lose my shit on stage, but I think it’s just a momentary measure of who you are as an artist. One track is the result of like 10.000 small decisions you make: boost there, band panning there, placing your kick there… I think that says more about an artist than performances.
LC: Parece que ya lo has conseguido todo en este mundillo. Seguro que aquel niño que vemos en el videoclip de ‘Dear God’ no se imaginaba nada de esto. ¿Cómo te ves de aquí a 5 años? ¿Tienes alguna meta concreta a largo plazo?
S: No lo sé. Hace cinco años nunca habría imaginado que estaría aquí a punto de actuar en Fabrik con músicos. Tenía el objetivo de actuar con músicos, pero de una forma muy diferente. Ya hubiese sido feliz de grabar un disco con un violinista, pero esto es una locura, con la Orquesta Metropole y todo. Así que dentro de cinco años, me gustaría hacer la misma gira de conciertos, pero en lugares más grandes y con mejores espectáculos. Me gustaría triplicar el número de entradas vendidas para los conciertos en solitario. Eso sería un muy buen objetivo. También mantener el frenchcore y los harder styles grandes, y mantener la música en el número uno. Espero no haber vendido mi alma por ese entonces.
LC: It seems that you have already achieved everything in this scene. Surely that child we see in the videoclip of ‘Dear God’ did not imagine any of this. How do you see yourself 5 years from now? Do you have any specific long-term goal?
S: I don’t know. Five years ago I would have never predicted I would be here about to perform in Fabrik with musicians. I had some kind of goal to perform with musicians, but in a really different way. I would have already been happy to record an album with one violin player, but this is just crazy, with Metropole Orchestra and everything. So in five years, I would like to do the same concert tour, but in bigger venues and with better shows. I would like to triple the amount of tickets sold for the solo shows. That would be a really nice goal. Also to keep frenchcore and keep the harder styles big, and to keep music at number one. I hope I didn’t sell my soul by then.
LC: Finalizamos la entrevista de la siguiente forma: preguntas cortas, respuestas lo más cortas posibles.
LC:¿Qué rutinas o acciones llevas a cabo entre semana para desestresarte de la ajetreada vida del DJ?
S: Entrenamiento con pesas 100%, y hago tres paseos al día por la misma zona de mi ciudad (Castricum) para evaluar mi estado de ánimo mental. Por la mañana, paseo, y estoy feliz. Y entonces, si hago mismo paseo por la tarde, es como: “Oh, tengo una medida exacta, así que tengo que ir a acostarme durante unos 30 minutos”. Esa es la forma en que me evalúo. Y el entrenamiento es muy importante.
LC: We end the interview in the following way: short questions, answers as short as possible.
LC: What routines or actions do you do during the week to de-stress from the busy DJ life?
S: Weight training 100%, and I do three walks each day through the same part of my city (Castricum) to assess my mental mood. When I’m in the morning, I have my walk, and I’m happy. And then, if I do the same walk in the afternoon, I’m like: “Oh, I have an accurate measure, so I need to go lie down for like 30 minutes”. That’s the way I assess myself. And the training is really important.
LC: ¿Te transformas al subir a cabina?
S: Sí. Me convierto en una persona diferente.
LC: Do you transform yourself when you get into the booth?
S: Yes. I turn into a different person.
LC: Continúa la frase: una vida sin música sería…
S: Impensable, impensable. Ataque al corazón.
LC: Continue the sentence: a life without music would be…
S: Unthinkable, unthinkable. Heart attack.
LC: Canción de early hardcore que recuerdes con especial cariño.
S: ‘Butterfly VIP’, de Ophidian.
LC: An early hardcore song that you remember with special affection.
S: ‘Butterfly VIP’, by Ophidian.
LC: ¿Te gusta el uptempo?
S: No. Lo siento. Quiero mucho a los artistas de uptempo y todos son buenos chicos, tienen mucho talento y pasión, pero no me termina de gustar la música.
LC: Do you like uptempo?
S: No. Sorry. I love the uptempo artists and they’re all good guys, really talented and passionate, but I just don’t like the music at all.
LC: Un joven productor está empezando. ¿Qué es lo primero que le recomendarías/aconsejarías?
S: No esperes resultados a corto plazo. Prepárate para trabajar mucho y perder el resto de tu vida, básicamente. No esperes resultados si no haces eso, porque mucha gente espera resultados a corto plazo, y no.
LC: A young producer is just starting out. What’s the first thing you would recommend/advise him?
S: Don’t expect short term results. Be prepared to put in a lot of work and to lose the rest of your life, basically. Don’t expect results if you don’t do that, because a lot of people expect short term results, and no.
LC: Sabemos que te encanta cocinar. Don Chefa. ¿Qué hobbies tienes aparte de la cocina?
S: Nada, tío. Entrenamiento con pesas.
LC: We know you love to cook. Don Chefa. What hobbies do you have other than cooking?
S: Nothing, man. Weight training.
LC: Te planteamos dos escenarios y tienes que elegir uno de los dos:
1. Puedes resucitar a Bach y pasar una semana con él alimentándote a base de Burek (véase el vídeo, Min. 5:13).
2. Conseguir que absolutamente todas las personas del mundo se enamoren del frenchcore gracias a tu música.
S: El 1 jajajaja. El 2 sería una pesadilla, porque entonces no habría diversidad. E imagínate que saco una canción y la escuchan 3 mil millones de personas, como le pasa a David Guetta. No, tío, tendría que vender mi alma.
LC: We give you two scenarios and you have to choose one of the two:
1. You can resurrect Bach and spend a week with him eating only Burek (see the video, Min. 5:13).
2. Get absolutely everyone in the world to fall in love with frenchcore thanks to your music.
S: 1 jajajaja. 2 would be a nightmare, because then there wouldn’t be diversity. And imagine if I put out a song and 3 billion people listen to it, like the David Guetta stuff. No, man, I would have to sell my soul.
LC: Lo que más te guste de España.
S: La gente. La gente es realmente cálida, amable y entusiasta. Cada vez que vengo, la gente está como: “Una foto, una foto”. Mola mucho. Ven al artista como alguien a quien admirar, lo cual es un poco difícil algunas veces. No creo que deba ser normal, pero es muy agradable venir aquí y que la gente coree: “¡Seeeefa, Seeeefa!” Pero no sólo el público, también la gente de los restaurantes es muy amable y hospitalaria. Siempre te dan la mano.
LC: What you like the most about Spain.
S: The people. People are really warm, kind and enthusiastic. Every time I’m here, people is like: “A picture, a picture”. I think it’s really cool. They really see the artist as somebody to look up to, which is a bit difficult sometimes. I don’t think that should be normal, but it’s really nice to come here and have people chanting like: “¡Seeeefa, Seeeefa!” But not just the crowd, also people in restaurants are really nice and hospitable. They always shake your hand.
LC: Por último, un mensaje para todos tus fans de Loud Cave.
LC: Finally, a message for all your Loud Cave fans.
Sefa, para Loud Cave, desde Main Room (Fabrik, Madrid).
